2012, ANO BISSEXTO - Curiosidades

O ano bissexto é, como todos sabemos, aquele que possui um dia a mais do que os outros que possuem 365 dias. No calendário gregoriano, este dia extra é contado a cada 4 anos, sendo incluído sempre no mês de fevereiro, que passa a ter 29 dias. O ano bissexto acontece porque o ano-calendário tradicionalmente utilizado possui uma diferença em relação ao ano solar. Enquanto que no calendário tradicional o ano dura 365 dias para se completar, no calendário solar dura 365,25 dias.

Imperador romano Júlio César

Essa diferença de 0,25 corresponde à fração de um quarto de um dia. Sendo assim, a cada quatro anos temos a diferença de um dia em relação ao calendário convencional e solar. Esse dia é justamente o que caracteriza o ano bissexto.

Assim, para se calcular um ano bissexto a partir do calendário gregoriano, foram adotadas as seguintes regras:

• Todo o ano divisível por 4 é bissexto.
• Todo o ano divisível por 100 não é ano bissexto.
• Mas, se o ano for também divisível por 400 é ano bissexto.

O ano bissexto teve início no Egito em 238 a.C., durante a monarquia helenística de Ptolomeu III (246-222 a.C.), quando foi decretada a adição de 1 dia a cada 4 anos para compensar a diferença que existia entre o ano do calendário, com duração de 365 dias e o ano solar (chamado ano astronómico sazonal), com duração aproximada de 365,25 dias, ou seja, de 365 dias +6 horas.

Lamentavelmente, esta tentativa de reformulação do calendário não teve a aceitação necessária, por parte dos povos da antiguidade, e as discrepâncias permaneceram na contagem dos dias.

Papa Gregório XIII

O ano bissexto foi introduzido na Europa a partir do ano 46 a.C., com o calendário adotado pelo Imperador romano Júlio César (102-44 a.C.). Este calendário tinha sido proposto pelo astrónomo Sogines (90-?? a.C.), de origem grega, mas que vivia em Alexandria no Egito.

O decreto de Júlio César estabelecia que o ano teria 365 dias depois de 3 anos, ou seja, o quarto ano teria um dia a mais. No entanto os sacerdotes encarregados do calendário, parece terem confundido o texto do decreto e passaram a colocar um dia a mais cada três anos. 

Essa incorreção foi descoberta por volta do ano 10 a.C. e, para corrigir o erro acumulado, os anos passaram a ter 365 dias até ao ano 8 depois de Cristo. Assim, o ano 4 depois de Cristo não foi um ano bissexto como seria de se imaginar. Portanto os anos bissextos foram os seguintes, a partir de Júlio César e da correção no ano 10 a.C.:

Antes de Cristo: 45, 42, 39, 36, 33, 27, 24, 21, 18, 15, 12, 9.

Depois de Cristo: 8, 12, 16, e a partir daí de 4 em 4 anos.

O calendário de Júlio César (chamado de Calendário Juliano) foi adoptado em todos os países sob o domínio do Império Romano.

Postal do "Leap Year"

A partir da Idade Média o sistema de três anos com 365 dias, seguido de um ano com 366 dias, foi adotado no calendário da Igreja Católica, através de uma Bula Papal, espalhando-se o seu uso por todos os países de influência católica. Nessa época também foi adotado o dia 25 de dezembro como sendo o dia do Nascimento de Jesus, de modo a substituir uma festa pagã em homenagem ao sol que acontecia nessa data, dois dias depois do solstício de inverno no hemisfério norte (o dia 23 de dezembro é o que tem a noite mais longa do ano, no hemisfério norte, ou o dia mais longo no hemisfério sul).

Também é dessa época (século V) a adopção numeral atual dos anos contados a partir do nascimento de Jesus, calculada por um monge chamado "Dionísio, o Pequeno" - tudo indica que o tal monge errou os seus cálculos e Jesus nasceu provavelmente alguns anos antes do "ano um". No sistema adotado não existe o "ano zero", uma vez que à data se utilizava a grafia dos números em algarismos romanos, que não possuem o algarismo correspondente ao "zero".

O calendário católico, no entanto,continuava exatamente como o Calendário Juliano. Como o ano ano bissexto ocorria a cada quatro anos sem exceção, existia um pequeno erro que com o passar do tempo se tornou evidente, pois verificou-se que o Natal se começava a  atrasar em relação ao solstício.

São Patrício

Por volta de 1580 o astrónomo e matemático jesuíta Cristophus Clavius (1537-1612) estudou o calendário e as posições dos astros celestes e chegou à conclusão que a contagem dos dias estava errada. A preocupação da Igreja Católica era com a Quaresma, durante a qual os fiéis não podiam comer carne vermelha.

Se o calendário de facto estiver errado, os católicos estariam a comer carne vermelha em "dias proibidos" e algo urgente devia ser feito para corrigir esta situação pecaminosa. 

Foi criada então uma comissão composta pelo próprio Papa Gregório XIII (1502-1585) e vários sábios, entre eles o astrónomo e médico italiano Aloisius Lilius (1510-1576) e o jesuíta Cristophorus Clavius que já tinham estudado o problema do calendário.

A sugestão da comissão foi fazer uma pequena alteração na regra do ano bissexto, que seria doravante cada 4 anos com exceção dos anos conhecidos como "anos centenários" (anos com a terminação 00), que seriam bissextos somente a cada 400 anos.

Seria também necessário suprimir 10 dias ao calendário, para compensar o erro acumulado desde a época de Júlio César. O Papa Gregório XIII instituiu então,  em 1582, através de uma Bula Papal, um novo calendário, que ficou conhecido como o Calendário Gregoriano.

Santa Brígida

A medida mais  polémica do Calendário Gregoriano foi decidir que o mês de outubro de 1582 teria somente 21 dias, para ajustar o início da primavera ao novo calendário. Assim o dia 4 de outubro de 1582 foi seguido pelo dia 15 de outubro de 1582. Convencionou-se também que doravante o ano começaria no dia 1 de janeiro e não em março, como era até então.

O novo calendário foi adotado pelos países sob a influência da Igreja Católica, incluindo o Brasil, colónia de Portugal à data. A Grã-Bretanha e as suas colónias só adotaram o Calendário Gregoriano em 1772, seguida pela França em 1806, que já usava um "Calendário Republicano", completamente diferente e sugerido pela Revolução Francesa.

Os países sob o domínio da Igreja Ortodoxa demoraram mais tempo a fazer o ajuste e isso só aconteceu depois da revolução comunista de 1918.

Curiosamente existe uma tendência de se achar que quem nasce no dia 29 de fevereiro "só faz anos a cada 4 anos". Isso não é verdade, uma vez que, tal como para as demais pessoas se adicionam 365 dias ao dia do seu nascimento para o cálculo da data dos respetivos aniversários, também para quem nasce a 29 de fevereiro o procedimento é semelhante: quem nasce a 29 de fevereiro deverá festejar o aniversário no dia 29 nos anos bissextos, e no dia 28 de fevereiro para os demais anos. Nunca no dia 1 de março, como também vulgarmente é sugerido.

Rainha Margareth da Escócia

No que respeita a superstições do ano bissexto, existe uma lenda que diz que os homens que recebem propostas de casamento, de uma mulher, no dia 29 de fevereiro, não podem negar. Este dia também é conhecido como "Leap Day", cheio de superstições e tradições, extremamente respeitadas na Escócia, por exemplo. Já na Grécia, este dia poderá trazer a má sorte para o casal.

Assim, na Irlanda, a tradição diz que no dia 29 de fevereiro, as namoradas podem pedir os namorados em casmento...e eles têm que aceitar.

Reza a lenda que esta tradição teve origem no século V, quando Santa Brígida (Saint Bridget) reclamou a São Patrício (Saint Patrick), o padroeiro do país, que as mulheres tinham que esperar muito para serem pedidas em casamento. São Patrício ouviu a reclamação e decretou que, cada quatro anos, no dia 29 de fevereiro, "Elas" poderiam pedi-los em casamento, o que também ficou conhecido como "Ladies Privilege".

Em 1288 esta tradição foi levada para a Escócia pela rainha Margareth, que tornou a tradição numa lei. O homem que recusasse teria que pagar uma multa que podia ser de um beijo até uma saia de seda (nada demais).

Logotipo do filme "Leap Year"

Nos dias de hoje o Leap Year é, em ambos os países, mais lenda do que realidade, sendo pouco praticado pelas irlandesas e não tem qualquer valor legal. Todavia, muitas estrangeiras, especialmente americanas de origem irlandesa, vêm à Irlanda, Dublin em especial, para proporem casamento aos seus namorados. Questões de romantismo...

A este propósito, inseri um vídeo "trailer" de um filme homónimo "LeapYear" de 2010, que trata esta tradição com muita graça e humor. Conta a história de Anna (Amy Adams), uma americana muito convencional e metódica, que viaja até Dublin, para pedir o namorado em casamento...

A MAGIA DA DANÇA (PARTE IV) - O CANCAN

O Cancan apareceu pela primeira vez nos salões da classe trabalhadora de Montparnasse em Paris, por volta de 1830. Era uma versão mais animada da "galop", uma dança rápida em tempo 2/4, muitas vezes caracterizado como a parte final da quadrilha.

Troupe de Mll. Églantine, - Cartaz de Henri de Toulouse-Lautrec

O Cancan foi, portanto, originalmente uma dança para casais, caracterizado pelo espetáculo de chutes altos e outros gestos de braços e pernas. Pensa-se que foi influenciado pelas travessuras de um artista popular da década de 1820, Charles Mazurier, muito conhecido pelas suas performances acrobáticas, que incluíam o écart grande ou salte divide, mais tarde transformado em característica popular do Cancan. 

Nesta época e durante todo o século XIX em França, a dança foi conhecida como o Chahut. Ambas as palavras são francesas, e enquanto Cancan significava "boatos" ou "escândalo", uma dança escandalosa portanto, Chahut significava "ruído" ou "tumulto". A dança causou uma espécie de escândalo, e por um tempo, houve tentativas de a reprimir. Por vezes acontecia pessoas dançarem o Cancan e serem presas, mas este nunca chegou a ser banido oficialmente, como às vezes é alegado. Ao longo da década de 1830, foram principalmente grupos de homens, principalmente estudantes, que provocaram mais indignação, ao dançarem o Cancan em fila, publicamente.

Jean Avril - Cartaz de Toulouse-Lautrec

Com os intérpretes, o Cancan tornou-se mais hábil e aventureiro, e desenvolveu gradualmente uma existência paralela como entretenimento, ao lado da forma participativa, embora ainda fosse muito uma dança para pessoas e não um espetáculo executado em palco por um coro.

Nas décadas de 1840 a 1860, alguns homens tornaram-se estrelas do Cancan, nomeadamente o grupo masculino conhecido como os  Quadrille des Clodoches. Dançaram em Londres. 

Mas neste período as mulheres foram artistas muito mais famosas.

Eram, na sua maioria, cortesãs da média burguesia, apenas semiprofissionais, ao contrário das bailarinas da década de 1890, como La Goulue  e Jane Avril, principescamente pagas pelas suas aparições no Moulin Rouge e outros lugares.

Le Café de Paris - Jean Béraud

As dançarinas do Segundo Império e do "fin de siècle" criaram movimentos no Cancan que mais tarde o coreógrafo Pierre Sandrini incorporou no espetacular "Cancan francês", que ele concebeu no Moulin Rouge na década de 1920, apresentando o seu grupo Bal Tabarin, em 1928. Esta foi uma combinação do estilo individual da dança parisiense dos salões, com o estilo do coro alinhado das salas de música britânicas e americanas.

Esta forma, a partir de 1920 tornou-se no conhecido Cancan francês, tanto do agrado dos turistas, altamente coreografado e com atuações de dez minutos ou mais, com a oportunidade das bailarinas exibirem as suas "especialidades".

Dançado em 2/4 do tempo, formando no palco um coro em estilo de linha, os movimentos principais são o chute alto ou battement, o rond de jambe (movimento de rotação rápido da perna com o joelho levantado e a saia levantou), o port d'armes (usando uma perna assente no chão enquanto a outra é agarrada pelo tornozelo e erguida na vertical), a roda da carroça e o grand écart (o voo ou salto divide).

Tornou-se prática para os bailarinos gritar e o grito durante a realização do Cancan, mas isto não é de todo uma prática essencial.

Existe também o Cancan de homens, que usam o battement, juntamente com os backflips e cartwheels, e divide, que se destinam sobretudo a mostrar a capacidade atlética e energia dos bailarinos.

Henri de Toulouse-Lautrec

No final do século XIX e inicío do século XX, o Cancan era visto como muito mais erótico porque, nesta altura, as bailarinas fizeram uso de roupa interior extravagante e meias pretas contrastantes. Levantavam e manipulavam as saias muito mais, e por vezes acrescentavam o movimento considerado mais atrevido e provocador de flexão sobre as suas saias e atirando-as sobre as costas, mostravam as culotes para o público. La Goulue, dançarina do Moulin Rouge, tornou-se famosa por este gesto. Tinha um coração bordado no assento das suas culotes.

A dançarina de Cancan, às vezes, aproxima-se de um homem e aposta em como ela consegue tirar-lhe o chapéu sem usar as suas mãos. Feita a aposta, ela executa um chute alto que lhe tira o chapéu e permite ao homem uma olhada rápida na sua calcinha. Este é um aviso para quem pensa tomar liberdades indesejadas com uma dançarina de Cancan, de que poderá levar um chute no rosto, em troca.

É um mito que o Cancan alguma vez tenha sido dançado sem culotes. Esta crença errada enraizou-se provavelmente porque quando o primeiro Cancan apareceu em salões de dança da classe trabalhadora da década de 1830, as culotes não eram um elemento padrão da roupa interior.

Foram adotadas  por volta de 1850, por causa da saia tipo crinolina. Inicialmente as culotes eram do tipo "aberto", e este é talvez um outro motivo para o mito. No entanto, a direção do Moulin Rouge nunca permitiu que os seus bailarinos atuassem com roupas assim provocantes.

O Moulin Rouge e a sua "troupe" de dançarinas do Cancan

Muitos compositores escreveram música para o Cancan. A música mais célebre é do compositor francês Jacques Offeenbach, Galop Infernal, em "Orpheu do Submundo" (1858). O pintor francês Henri de Toulouse-Lautrec produziu várias pinturas e um grade número de cartazes de dançarinos do Cancan. Outros se lhe seguiram, como Georges Seurat, Georges Rouault e Pablo Picasso.

PALMAS PARA "O ARTISTA" - Oscars 2012

A 84.ª cerimónia de entrega do Oscar 2012 foi tão previsível  quanto se esperava. Com excepção de algumas categorias técnicas, a Academia de Artes e Ciências de Hollywood fez a alegria dos apostadores, premiando o filme "O Artista" com cinco Oscares, entre eles o de Melhor Filme do Ano, logo ladeado pelo filme "Hugo"igualmente premiado com cinco Oscares, mas referentes às areas da Tecnologia.

Sendo um ano histórico de produções, a Academia preferiu a popularidade à inovação, não valorizando esta, que "O Artista" utilizou, desde a montagem aos recursos técnicos atuais que lhe asseguraram a qualidade da produção, sob o pretenso formato de filme antigo, do tempo do cinema mudo. Na escolha do Melhor Filme, não me manifestarei, até porque surpreendentemente teria feito outra, muito diferente de qualquer destas.

O "Artista" confirmou o seu favoritismo nas categorias principais: Oscar de Melhor Figurino, Melhor Banda Sonora, Melhor Ator, Melhor Realizador e Melhor Filme, o primeiro estrangeiro a levar o prémio máximo da noite.

Já nas categorias técnicas, "Hugo" reinou praticamente em absoluto, com: Oscar de Melhores Efeitos Visuais, Mistura e Edição de Som, Direção de Arte e Fotografia, o que contrariou o favoritismo de "A Ávore da Vida", que acabou a noite sem ter vencido em nenhuma das três categorias para que tinha sido nomeada.

Depois de trinta anos e dezassete nomeações, Meryl Streep ganhou o seu terceiro Oscar, pelo seu desempenho no filme "A Dama de Ferro", no papel de Margaret Thatcher. Muito aplaudida pela plateia, Meryl emocionou-se durante o seu discurso de agradecimento, extensivo ao seu maquiador e colaborador de longa data, J. Roy Helland, que também ganhou o Oscar de Melhor Maquiagem.

Os vencedores dos troféus de Ator e Atriz Secundários, também corresponderam ao esperado: Otavia Spencer ("Vidas Cruzadas") e Christopher Plummer ("Toda Forma de Amor"), que já tinham ganho todos os prémios nas suas categorias, ao longo da temporada. Aos 82 anos de idade, Christopher Plummer torna-se no ator mais velho a ganhar um Oscar.

O filme iraniano "A Separação", de Ashghar Farthadi, também confirmou o seu favoritismo ao ganhar o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro.

A cerimónia foi apresentada, pela 9.ª vez pelo comediante Billy Crystal, que iniciou a festa com a sua tradicional paródia aos nomeados. As suas piadas, tão previsíveis quanto os prémios, ajudaram a animar uma noite que, apesar de quebrar paradigmas e tentar corrigir tardiamente algumas injustiças, culminou com a vitória saudosista de um filme "à antiga" - o segundo filme mudo a vencer o Oscar, ou antes, o primeiro filme mudo a vencer o Oscar desde 1929...

LISTA DOS VENCEDORES:

Melhor Filme: "O Artista"

Melhor Direção: Michel Hazanavicius

Melhor Ator: Jean Dujardin, "O Artista"

Melhor Atriz: Meryl Streep, "A Dama de Ferro"

Melhor Ator Secundário: Christopher Plummer, "Toda Forma de Amor"

Melhor Atriz Secundária: Octavia Spencer, "Histórias Cruzadas"

Melhor Filme Estrangeiro: "A Separação"

Melhor Filme de Animação: "Rango"

Melhor Argumento Original: "Meia-Noite em Paris", Woody Allen

Melhor Argumento Adaptado: "Os Descendentes", Alexander Payne, Nat Faxon e Jim Rash

Melhor Fotografia: "Hugo"

Melhor Direção de Arte: "Hugo"

Melhor Montagem: "Millennium: Os Homens que não Amavam as Mulheres"

Efeitos Visuais: "Hugo"

Melhor Edição de Som: "Hugo"

Melhor Mistura de Som: "Hugo"

Melhor Figurino: "O Artista"

Melhor Maquiagem: "A Dama de Ferro"

Melhor Banda Sonora: "O Artista", Ludovic Bource

Melhor Canção: "Man or Muppet", Os Muppets

Melhor Documentário: "Undefeated"

Melhor Documentário de Curta-metragem: "Saving Face"

Melhor Curta-metragem: "The Shore"

Melhor Curta-metragem Animada: "The Fantastic Books of Mr. Morris Lessmore"

KODAK THEATRE - Onde Tudo Acontece...

O Kodak Theatre é a jóia de coroa do Hollywood & Highland Center, um complexo de restaurantes e entretenimentos localizado no coração histórico de Hollywood. O teatro, com uma capacidade de 3332 lugares abriu em novembro de 2001 e rapidamente se tornou conhecido, por mais de um bilião de pessoas em todo o mundo, como a primeira casa permanente dos prémios da Academia.

Aspecto noturno do complexo do Kodak Theatre

Construído com um custo de 94 milhões US Dólares, o Kodak Theatre foi concebido pelo Grupo Rockwell de renome internacional, para receber no seu palco glamoroso não só artistas e celebridades, mas também equipado para servir as enormes necessidades técnicas de um programa de televisão ao vivo para todo o mundo, como a noite do Oscar.

A nomeação do Kodak Theatre, numa parceria de marketing com a Eastman Kodak Co. que durou 20 anos, foi um dos patrocínios corporativos não-desportivos mais significativo da história. Esta longa ligação com a Kodak tornou natural a relação do Kodak Theatre com a indústria cinematográfica em Hollywood. Na verdade, durante 78 anos consecutivos, o eleito Melhor Filme foi produzido em película Kodak.

Perpetiva do Kodak Theatre

Inicialmente como um local de aprendizagem do entretenimento ao vivo, o Kodak Theatre já recebeu uma série de artistas de prestígio e de eventos, nos quais se contam as presenças de Alicia Keys, Celine Dion, Prince, Elvis Costello, Barry Manilow, Steve Wonder, Harry Connick Jr., Melissa Etheridge, Dixie Chicks, Tyler Perry, American Ballet Theatre e diversas turnés de produções da Broadway.

O Kodak Theatre também acolheu os espectáculos relativos à final do programas televisivo American Idol, Prémios AFI Lifetime Achievement para Tom Hanks, Meryl Streep e George Lucas, Prémios ESPY Awards e BET.

Sala de Espetáculos do Kodak Theatre

Para o espectador habitual de teatro, a visita ao Kodak Theatre começa no Hollywood Boulevard, onde um portal imponente, projetado pela Rockwell, serve como uma grande entrada para o teatro, que está afastado da rua. Ao longo de uma caminhada por dois andares decorados com placas de vidro iluminadas e representativas dos Prémios para cada Melhor Filme vencedor do Oscar colocadas em portais de pedra calcária, chega-se a uma escadaria de mosaicos vermelhos que dá acesso à entrada principal.

O "lobby" do teatro de cinco andares é caracterizado por uma grande escada central em espiral com balaustradas de cerejeira, encimada por uma cúpula oval pratada. Alguns elementos importantes do "lobby" foram inspirados por Campodiglio de Michaelangelo em Roma e coreografia de Busby Berkley.

Lobby do Kodak Theatre

Vinte e seis imagens espetaculares de vencedores famosos do Oscar, incluindo Grace Kelly, Jack Nicholson, Marlon Brando, Hallie Berry e Julia Roberts são exibidas permanentemente como tranparências fotográficas em peliglass penduradas diante de painéis de contas brilhantes,"Silver Screen". A sala dedicada exclusivamente a George Eastman ostenta uma uma estatueta do Oscar em tamanho real, um dos nove atribuídos à Eastman Kodak Company ao longo dos anos de conquistas científicas e técnicas da empresa e suas contribuições para a indústria.

A sala de audiências é abrilhantada por uma "tiara" folheada a prata, numa impressionante estrutura de looping oval, que tanto disfarça e apoia a grade de iluminação do teto imenso do teatro. A câmara foi concebida para chamar a atenção da ação no palco, bem como para alcançar todos os pormenores do público e artistas.

Perspetiva da Sala de Espetáculos 

A sala está equipada com detalhes sumptuosos que conferem calor ao espaço, com acabamentos em cerejeira e estofos de uma cor de ameixa intensa, acompanhados de um brilho cintilante proveniente das cortinas de dois tons de tecido iridiscente e uma malha de bronze fina que se estende até ao topo do palco, medindo cerca de 6 metros de largura por 35 metros de altura. A área do palco é uma das maiores do país, com 120 metros de largura e 75 metros de profundidade.

A Wolfgang Puck Catering e Eventos, propriedade do célebre chefe Wolfgang Puck, é a fornecedora exclusiva dos serviços de catering para o Kodak Theatre, incluindo o edifício principal, bastidores e eventos especiais privados a realizar nos lobbies do teatro e na sala de George Eastman.

As visitas guiadas ao teatro são realizadas sete dias por semana, com raras exceções, a partir das 10:30am às 2:30pm, com intervalos de trinta minutos. O passeio permite aos visitantes admirar os destaques arquitetónicos e históricos do local de renome mundial, bem como o vislumbre da característica ultra-glamourosa do Kodak Theatre na maior noite de Hollywood - a noite da atribuição do Oscar.

Red Carpet do Kodak Theatre

O Kodak Theatre está, como inicialmente disse, localizado dentro do Hollywood & Highland Center, de  mais de 640.000 pés quadrados de espaço ocupado por inquilinos comerciais nacionais, regionais e locais, numa variedade de restaurantes, alguns dos melhores clubes noturnos de Hollywood, de seis tela-state-of-the-art cinema ao lado do famoso Grauman Chinese Theatre e ainda o Renaissance Hollywood Hotel & Spa, com os seus 640 quartos.

O CIM Group, um sistema integrado de atividade imobiliária com base em Hollywood, tornou-se o proprietário do Hollywood & Highland Center, em fevereiro de 2004.

Mas na noite do próximo domingo, 26 de fevereiro, certamente muitos de nós aqui estaremos, onde tudo acontecerá , para direta ou indiretamente assistir ao espetáculo da noite mais glamourosa do Kodak Theatre e de Hollywood - a noite da atribuição do Prémio Oscar 2012...

CAVALO DE GUERRA - Steven Spielberg

Quem gosta de emoção e aventura, com certeza vai gostar de "Cavalo de Guerra" (War Horse), filme do realizador Steven Spielberg, que hoje chegou às nossas salas de cinema. Baseado no livro homónimo do autor inglês Michael Morpurgo, classificado na categoria de drama, narra a longa história de amizade e lealdade entre um homem e o seu cavalo que, enviado para a guerra, contagia todos em seu redor, numa mensagem de confiança e esperança. Esta obra do escritor Michael Morpurgo, também já havia sido adaptada ao teatro.

Cena de "Cavalo de Guerra"

Com uma belíssima fotografia, que nos mostra os extensos campos de trigo e os velhos moinhos de vento tão comuns na Europa, a história comovente, muito ao gosto de Spielberg, desenrola-se tendo como cenário a Inglaterra de 1914, quando do  rebentamento da Primeira Guerra Mundial.

Prestes a ser despejado da fazenda onde vive com os pais, Albert Narracott (interpretado pelo ator Jeremy Irvine) encontra-se numa situação limite sem dinheiro, e vê o seu cavalo Joey ser vendido ao exército britânico, por seu pai, numa tentativa desesperada de equilibrar as finanças da família.

Intervenção do cavalo Joey, no filme

Enviado para as sangrentas batalhas entre a Inglaterra e a Alemanha, Joey demonstra não ser um cavalo qualquer, mas um animal milagroso que resiste às mazelas da guerra e encontra refúgio tanto entre soldados de ambos os lados como junto de um fabricante de geleias (Niels Arestrup) e a sua neta Emilie (Celine Buckens). Mas os laços de amizade entre Albert e o cavalo não se desfazem facilmente. E é para os campos de batalha que o rapaz parte, em busca do seu amigo.

O elenco traz ainda a atriz Emily Watson como a mãe de Albert e Peter Mullan como o pai, além de David  Thewlis (Harry Potter e o Prisioneiro de Azkaban) e Tom Hidlestton (Thor). Com o selo de qualidade da Dreamworks, "War Horse" já conta com duas nomeações para o Oscar deste ano, assim como "As Aventuras de Tintin", do mesmo realizador Steven Spielberg.

Em resumo, este é um filme com muitas possibilidades, ideal para toda a família (embora difícil), com um fundo de amizade e superação, que o tornam num épico maravilhoso e emocionante, certamente culpado por fazer correr as lágrimas de muitos espetadores.

Steven Spielberg dirige as filmagens,
onde também participa, esporadicamente

O tema não é de todo surpreendente, mas a banda sonora, de John Williams, e a fotografia incrível e espetacular que envolve todo o filme, tornam Spielberg num vencedor e um dos favoritos para o Oscar.

Ficaremos a conhecer todas as escolhas da Academia de Hollywood já neste tão próximo dia 26 de fevereiro, no Kodak Theatre...

QUAIS OS LIMITES FÍSICOS DA HUMANIDADE? - Tentativa de Ultrapassar a Barreira do Som em Voo de Queda Livre

Um austríaco prepara-se prepara-se para bater vários recordes com décadas. Entre eles, o voo mais alto de balão tripulado e o salto mais alto de paraquedas. Se conseguir, será também a primeira pessoa a ultrapassar a barreira do som em queda livre, um salto a quase 37 quilómetros de altitude.

Félix Baumgartner e Joe Kittinger Apresentam o equipamento para a Prova

A cidade de Roswell, no Novo México, EUA, foi o local escolhido para a missão Redbull Stratos. De lá, o atleta austríaco de desportos radicais Félix Baumgartner tentará saltar de um balão na estratosfera a uma altitude de 36 mil metros e realizar uma queda livre capaz de bater todos os recordes, contando para isso com o apoio de uma equipa de cientistas aeroespaciais.

Baumgartner quer ser o primeiro o primeiro homem a ultrapassar a velocidade do som sem a proteção de uma aeronave, e ao mesmo tempo recolher dados nunca antes obtidos para o progresso da medicina. Depois dos testes numa câmara de pressão especial, no rio Texas, a missão passa agora para a sua fase  final e decisiva.

Cristo Rei, no Rio de Janeiro, e o World Financial Center , em Taipei

A escolha da cidade aconteceu devido às condições mais favoráveis. A área é muito povoada, possui algumas das melhores instalações para o lançamento de balões como este, e o tempo oferece boas condições de vento para que tudo seja feito com êxito.

A equipa do Red Bull Stratos realiza os últimos preparativos para a tentativa de superar o recorde da tentativa do coronel Joe Kittinger que perdura há 52 anos: uma queda livre de 31.333 metros durante o projeto histórico "Excelsior III", em 1960. Joe Kittinger é o conselheiro do projeto Red Bull Stratos desde o início, além de ser o mentor do atleta austríaco, de 41 anos.

Preparativos Finais da Missão

Félix Baumgartner já bateu recordes da B.A.S.E. Jump (as iniciais inglesas de edifícios, antenas, pontes e penhascos) em alguns dos locais espetaculares, como o World Financial Center T101 em Taipei, um dos edifícios mais altos do mundo. Também protagonizou um salto com menor altitude, quando saltou da estátua do Cristo Redentor, no Rio de Janeiro. Em 2003, BaumGartner usou asas de carbono atadas ao corpo, para se tornar no primeiro homem  a atravessar o Canal da Mancha, entre França e Inglaterra.

O salto a partir dos limites do espaço, no entanto, representa a entrada numa nova dimensão até para o próprio Baumgartner. É sem dúvida um passo arriscado em direção ao desconhecido. Uma equipa de técnicos e cientistas de renome passou os últimos cinco anos no estudo do desenvolvimento do equipamento e procedimentos necessários para assegurar o êxito e a segurança da missão.

A missão Red Bull Stratos pretende, de uma só vez, bater quatro recordes que já duram há mais de cinquenta anos: o voo mais alto de balão tripulado (36.000 metros), o salto mais alto de paraquedas, a primeira pessoa a ultrapassar a barreira do som em queda livre, e a queda livre de maior duração (cerca de cinco minutos e trinta segundos).

Testes Finais

A equipa irá compartilhar as suas descobertas e avanços nas áreas da aviação e aeroespacial com a comunidade científica de todo o mundo. A missão "Excelsior III" de Kittinger contribuiu muito para desenvolver pesquisas que levaram a melhorias na segurança pessoal em ambientes próximos do espaço, assim como no desenho apropriado de roupas espaciais. Os limites físicos da humanidade serão redefinidos com esta missão. A equipa espera conseguir avanços significativos para as ciências médicas e contribuir para a sobrevivência no espaço.

Para Baumgartner, consciente que a missão pode pôr em risco a sua própria vida, este projeto é muito mais do que mais uma tentativa de bater outro recorde: "Esta missão é antes de tudo um trabalho pioneiro. Talvez um dia as pessoas olhem para trás e digam que Félix Baumgartner e a equipa Red Bull Stratos ajudaram a aperfeiçoar os uniformes usados no espaço. Queremos atingir algo para a posteridade".

HUGO - Martin Scorsese

O nome de Martin Scorsese é sinónimo de bons filmes e grandes obras-primas da história do cinema. E é exatamente um pouco dessa história que o realizador leva para os écrans com "Hugo", que estreou nesta sexta feira.

Logotipo do Filme

Em 1902, Georges Méliès mudou completamente a história do cinema ao lançar "Viagem à Lua", a primeira ficção científica da sétima arte, numa época em que nem de longe o cinema era considerado como uma arte. Méliès fez cerca de 500 filmes que se perderam com o tempo, principalmente depois da Primeira Guerra Mundial que deixou a Europa devastada.

Isto está bem patente ao longo de "Hugo", adaptação da obra homónima de Brian Selznick , "A Invenção de Hugo Cabret", através de um menino órfão e solitário que vive numa estação de comboios em Paris, no início da década de 1930. Hugo (Asa Buttterfield) comete pequenos furtos na loja de brinquedos da estação para poder consertar o autómato encontrado por seu pai num museu, acreditando que ele poderia conter alguma mensagem para ele e mudar a sua vida para sempre.

Por ironia do destino, o dono da loja é Georges Méliès (Ben Kingsley), mas ele nem imagina quem é aquele senhor amargurado e triste. Um dia, é descoberto por Méliès e obrigado a entregar-lhe tudo o que tem nos bolsos, inclusivé o caderno de anotações sobre o autómato, deixando-o perplexo e confuso. A partir daí, a trama começa a desenvolver-se mostrando outros personagens que circulam pela estação, como o guarda vilão e trapalhão, vivido e interpretado por Sacha Baron Cohen.

Cena de "Hugo"

O filme é uma belíssima homenagem aos primeiros anos da cinematografia. "Como realizador, sinto que tudo já realizado no cinema de hoje, teve início com Georges Méliès. E quando olho para trás e vejo os filmes originais, sinto-me emocionado e inspirado, porque eles ainda transmitem a vibração da descoberta, mais de cem anos depois de terem sido feitos. E também porque eles estão entre as primeiras e mais poderosas expressões de um formato de arte que eu amo, e ao qual dediquei a maior parte da minha vida", declarou Martin Scorsese.

O único "senão" apontado a esta produção é a lentidão da parte inicial. A acção demora a acontecer, mas depois é um deleite para o espectador. A presentação de alguns excertos do Primeiro Cinema, como o dos Irmãos Lumière e do próprio Méliès, só acrescentam pontos positivos ao filme, tornando-se delicioso visualizá-los em écran grande (3D).

Martin Scorsese e os intérpretes do filme, Asa Butterfield e Chloe Moretz

A direção de arte, maquiagem, figurinos e tantos outros elementos fazem de "Hugo" uma produção de qualidade que merece ser vista pelo menos por uma vez. Neste caso específico, a utilização da tecnologia 3D é válida, e entusiasmou, ao que se sabe, os membros da Academia. "Com as atuações e movimentos certos, o trabalho torna-se numa mistura de teatro e filme, mas ao mesmo tempo diferente de ambos", afirma Scorsese, acerca das novas tecnologias. O realizador aliás, faz uma pequena participação no filme, como fotógrafo.

"Hugo" recebeu 11 nomeações para o Óscar deste ano de 2012,  tornando-se no filme mais nomeado este ano, inclusive de melhor filme e realização para Martin Scorsese, que recebeu a sua primeira estatueta em 2007, por "Os Infiltrados" (The Departed-2006).

No que me diz respeito, confesso que adorei...

SONETOS DISPERSOS - Um Passeio Pela Literatura

O SOL É GRANDE: CAEM COA CALMA AS AVES

O sol é grande: caem coa calma as aves

1- Francisco Sá de Miranda (1481-1558)
2- Luís Vaz de Camões (1524?-1580)
3- Manuel Maria Barbosa Du Bocage (1765-1805)
4- Antero Tarquínio de Quental (1842-1891)
5- Florbela Espanca (1894-1930)
6- Manuel Alegre (1936-?)

Do tempo em tal sazão, que sói ser fria.

Esta água que do alto cai acordar-me-ia,

Do sono não, mas de cuidados graves.

Ó cousas, todas vãs, todas mudaves,

Que é tal coração que em vós confia?

Passam os tempos, vai dia trás dia,

Incertos muitos mais que aos ventos as naves.

Eu vira já aqui sombras, vira flores,

Vi tantas águas, vi tanta verdura,

As aves todas cantavam de amores.

Tudo é seco e mudo; e, de mistura,

Também mudando-me eu fiz doutras cores.

E tudo o mais renova: isto é sem cura!

(Francisco Sá de Miranda)

AQUELA TRISTE E LEDA MADRUGADA

Aquela triste e leda madrugada,

Cheia toda de mágoa e piedade,

Enquanto houver no mundo saudade,

Quero que seja sempre celebrada.

Ela só, quando amena e marchetada,

Saía, dando à terra claridade,

Viu apartar-se de uma outra vontade,

Que nunca poderá ver-se apartada.

Ela só viu as lágrimas em fio,

Que de uns e outros olhos derivadas,

Juntando-se, formaram largo rio.

Ela ouviu as palavras magoadas

Que puderam tornar o fogo frio

E dar descanso às almas condenadas.

(Luís Vaz de Camões)

JÁ BOCAGE NÃO SOU!...À COVA ESCURA

Já Bocage não sou!...À cova escura

Meu estro vai parar desfeito em vento...

Eu aos Céus ultrajei! O meu tormento

Leve me torne sempre a terra dura.

Conheço agora já quão vã figura

Em prosa e verso fez meu louco intento;

Musa!...Tivera algum merecimento

Se um raio de razão seguisse pura!

Eu me arrependo; a língua quase fria

Brade em alto pregão à mocidade,

Que atrás do som fantástico corria.

Outro Aretino fui...A santidade

Manchei... Oh! Se me creste, gente ímpia,

Rasga meus versos, crê na eternidade!

(Manuel Maria Barbosa Du Bocage)


NA MÃO DE DEUS

Na mão de Deus, na sua mão direita,

Descansou afinal meu coração.

Do palácio encantado da ilusão

Desci a passo e passo a escada estreita.

Como as flores mortais, com que se enfeita

A ignorância infantil, despojo vão,

Depois do Ideal e da Paixão

A forma transitória e imperfeita.

Como criança, em lôbrega jornada,

Que a mãe leva ao colo agasalhada

e atravessa, sorrindo vagamente,

Selvas, mares, areias do deserto...

Dorme o teu sono, coração liberto,

Dorme na mão de Deus eternamente!

(Antero de Quental)

OS VERSOS QUE TE FIZ

Deixa dizer-te os lindos versos raros

Que a minha boca tem para te dizer!

São talhados em mármore de Paros

Cinzelados por mim pra te oferecer.

Têm dolência de veludos caros,

São como sedas pálidas a arder...

Deixa dizer-te os lindos versos raros

Que foram feitos para te endoidecer!

Mas, meu amor, eu não tos digo ainda...

Que a boca da mulher é sempre linda

Se dentro guarda um verso que não diz!

Amo-te tanto! E nunca te beijei...

E nesse beijo Amor, que eu não te dei

Guardo os versos mais lindos que te fiz!

(Florbela Espanca)

AS FACAS

Quatro letras nos matam quatro facas

que no corpo me gravam o teu nome.

Quatro facas amor com que me matas

sem que eu mate esta sede e esta fome

Este amor é de guerra. (De arma branca).

Amando ataco amando contra-atacas

este amor é de sangue que não estanca.

Quatro letras nos matam quatro facas.

Armado estou de amor. E desarmado.

Morro assaltando morro se me assaltas.

E em cada assalto sou assassinado.

Quatro letras amor com que me matas.

E as facas ferem mais quando me faltas.

Quatro letras nos matam quatro facas.

(Manuel Alegre)

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